O bordado foi praticado durante o século XX, o uso de áreas de cores planas e ousadas lembra o século XX, tendo como pano de fundo a tecnologia e o trabalho de artistas como Gauguin (1848-1903). A mudança tecnológica, econômica e social também mostra a influência do sucesso art nouveau do estilo de bordado à máquina produzido em massa, do qual van de Velde era um líder, que às vezes parecia ameaçar a viabilidade do expoente na Bélgica.

O bordado era um trabalho artesanal, mas, apesar dos períodos de estagnação, o seu meio particularmente favorável ao art nouveau sobreviveu. Como no século XIX, os desenhos e uma lista de quem os usou contém bordados amadores que desempenharam um papel importante nos nomes de muitos dos líderes do movimento que mantiveram o interesse pelo artesanato; o aumento de leis, artistas e designers, certamente permitiu que muitas mulheres e alguns homens recorressem a isso como passatempo. O trabalho de vários desenhos e instruções sobre a escolha de materiais e técnicas, desde o início do século  e o ensino do bordado criativo nos moldes estabelecidos por Ann Macbeth e outros, continuou em algumas escolas e faculdades. Foi um movimento que deu frutos depois de 1950, à medida que um número crescente de faculdades desenvolveu cursos de bordado e os pintores e artistas gráficos das faculdades recorreram ao bordado como um meio estimulante para novas ideias. As bordadeiras de vanguarda do final do século XX seguiam os passos de um número muito menor de indivíduos que, no início do século, garantiram que o bordado fizesse parte de empreendimentos experimentais como o Wiener Werkstätte (fundado em 1903), o Oficinas Omega (1913) e Bauhaus (1919).

Por toda a Europa, os bordados refletiam tendências da arte moderna, do cubismo à arte abstrata e à livre expressão. Cada vez mais, e particularmente após a década de 1960, a ênfase no design em oposição à técnica resultou numa divisão acentuada entre os proponentes do bordado como arte e aqueles preocupados com os seus usos e técnicas tradicionais. Os esforços para tapar esta lacuna foram feitos por sociedades como a The Embroiderers’ Guild na Grã-Bretanha e pela promoção de revistas, exposições e concursos. Muitos foram patrocinados por fabricantes de fios como D.M.C. (Dolltus, Mieg et Cie) na França e J. P. Coats na Grã-Bretanha que em 1934 iniciou o influente Esquema de Desenvolvimento de Bordados. Uma das primeiras conselheiras do Esquema de Desenvolvimento do Bordado foi Rebecca Crompton (1895-1947), que ensinou o uso de materiais simples e pontos simples para criar peças vivas e imaginativas. Ela também foi uma das primeiras professoras a promover o uso de recursos domésticos a máquina de costura como ferramenta útil no repertório da bordadeira e, apesar da oposição inicial, vários tipos de máquina logo foram utilizados em conjunto com o bordado à mão ou isoladamente. Os projetos comunitários eram outro meio de reunir bordadeiras de diferentes convicções para trabalhar, por exemplo, num conjunto de genuflexório para uma igreja local ou numa tapeçaria comemorativa para uma câmara municipal.

Tal como no século XIX, os países procuraram promover as suas competências tradicionais – por exemplo, os bordados brancos da Escandinávia e na Inglaterra, o Rural Industries Bureau tentou, sem sucesso, reviver o norte do país. Quilting e Patchwork foram técnicas revividas por bordadeiras amadoras e no final da década de 1970 foram adotadas pelos profissionais e desenvolvidas como forma de arte. Durante o início do século e a partir da década de 1960, instituições públicas e empresas comerciais patrocinaram bordadeiras encomendando grandes cortinas para foyers, salas de reuniões e espaços públicos. Mas ainda mais importante para a sobrevivência da bordadeira profissional individual era o patrocínio das igrejas. Tal como no século XIX, a oportunidade de preservar as habilidades do bordado à mão foi proporcionada por encomendas de frontais de altar e vestimentas que, na Grã-Bretanha em particular, mas também em outros lugares, tornaram-se um veículo para o trabalho de vanguarda. A eficácia do bordado como meio foi apreciada por artistas como Henri Matisse (1869-1954) e John Piper (1903-92). Apesar da importância de tais encomendas, no entanto, uma quantidade muito maior de bordados eclesiásticos veio, especialmente durante a primeira metade do século, de oficinas profissionais como as de Louis Grossé na Bélgica e de G. Duel, Bouvard e Feige na França.

Mantiveram as tradições do século XIX, tanto na técnica como no estilo, e isto também se aplicava às bordadeiras cerimoniais e militares que continuaram em operação, embora em número cada vez menor. Vestimentas bordadas foram feitas em St Gallen, na Suíça, que era (e ainda é) o principal centro de bordados à máquina de alta qualidade. Tecidos bem desenhados em combinações de cores imaginativas e misturados com detalhes vazados e Richelieu, ou decorados com detalhes tridimensionais, miçangas ou joias, foram fornecidos para a indústria de vestidos de alta costura. Esses produtos estavam muito longe dos tecidos bordados, enfeites e motivos de apliques produzidos em massa que eram fabricados em outros lugares para a decoração de roupas de qualidade inferior.

O comércio da alta costura também patrocinou a indústria do bordado à mão; durante a primeira metade do século, as casas de moda parisienses apoiaram as oficinas de Fleury em Lyon e de Lallemant, Rébé e, sobretudo, Lessage em Paris. As décadas de 1910 e 1920 foram particularmente frutíferas, com designers como Callot Sours produzindo roupas suntuosamente decoradas. Os bordados de fantasias foram desenhados por artistas como Raoul Dufy (1877-1953) e Sonia Delaunay (1885-1979), e quase todos os vestidos de festa eram generosamente decorados com miçangas. Durante a década de 1930, quando a ênfase na corte favorecia o uso de tecidos lisos, o bordado manteve sua importância para a roupa de noite, e estilistas como Schiaparelli (1896-1973) usaram detalhes bordados para compensar a severidade de suas roupas diurnas.

A Primeira Guerra Mundial e os anos de restrições que se seguiram não foram bons para o bordado, nem a revolucionária década de 1960, quando designers como Ungaro (n. 1933) e Courrèges (n. 1923) se concentraram na forma e na cor, e não na decoração.

Ainda assim, Norman Hartnell (1901-79), entre outros, desenhou vestidos ricamente bordados, e na década de 1970, com o retorno de estilos mais fluidos, os designers mais jovens também fizeram uso do bordado. Eles também refletiram a moda de rua com a introdução de itens como jeans bordados e motivos de apliques, e aproveitaram o interesse simultâneo pelos bordados étnicos. Na década de 1980, os estilos mais formais retornaram e o bordado, tanto à mão quanto à máquina, voltou a ser popular. Houve altos e baixos no bordado à mão e à máquina durante o século XX, mas desde o final da década de 1960 houve uma explosão de atividades experimentais. O bordado agora abrange uma gama de técnicas únicas, desde o trabalho meticuloso de fios contados até peças coladas e resinadas. Feltragem, pintura, tingimento e fotografia já fazem parte do repertório da bordadeira, e os materiais vão desde fibras tradicionais até lurex, plástico, couro, madeira, papel, gesso e metal. Os objetos acabados podem ser usados, pendurados como uma imagem ou exibidos como esculturas independentes. Sem dúvida o bordado sobreviveu como uma arte viva.

Crédito das Imagens:

V&A Museum London

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